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René Lalique

René Lalique

René Lalique (1860-1945), fué un joyero muy destacado en el Modernismo. Es llamado "el joyero-poeta".

Lalique era un virtuoso en los métodos de tratamiento artístico de los metales,más  la técnica del esmalte. 

Características

• La figura humana, descuidada por los joyeros desde el Renacimiento, fue resucitada en el Art Nouveau y en las obras de Lalique como ninfa o "femme fatal", con sus largos cabellos y voluptuosa figura. La figura de la ninfa fue favorecida por los grandes poetas, Baudelaire y Mallarmé, quienes amaban su siniestra y erótica presencia que aparecía paralelamente en el trabajo de Lalique. 

• Capturó el colorido mundo de la naturaleza, el reino de las flores y las plantas, insectos, reptiles, frutas y ninfas, creaciones fantásticas. 
• Las innovaciones para la época fueron sus audaces formas y los materiales que el artista usó: cuerno, nácar, vidrio, marfil, que fueron hábilmente trabajados junto con el esmalte, perlas, piedras preciosas y semipreciosas. 
•  Las joyas de Lalique no tenían en cuenta las convenciones sociales y rompieron con las tradicionales reglas del diseño. El resultado dio piezas que fueron concebidas como trabajos independientes de arte más decoraciones que pretenden resaltar el valor material. 
• Usa distintos materiales en función del efecto deseado; las piedras semipreciosas  por sus colores, vetas o superficies. 
• Este concepto  permitió producir una enorme variedad de formas y colores, de ideas que le sugería su fantasía. En sus formas naturales encontramos mariposas, libélulas, avispas, pavos reales...
•  Mirada hacia lo anecdótico y particularmente su creciente interés por lo grotesco y raro, le aproximaron al estilo y tema contemporáneos de los escritores del momento. A través de ellos Lalique mostró sus trabajos más imaginativos y mitológicos (algunos como "La Medusa" eran recogidos de sus fuentes literarias). 
• Lalique era un excelente delineante y concebía sus diseños como creaciones gráficas; en algunos casos sus joyas eran utilizadas como ilustraciones.

Su joyería se hizo muy popular entre la Aristocracia y las actrices. Su trabajo mostró gran potencial de la joyería como una forma de arte e inspiró una escuela de imitadores en el final de la centuria en París, que evolucionaron a partir el estilo Lalique.

El trabajo de la joyería Parisina exportó la moda al resto de Europa. En América, también, se dejó sentir la influencia de Lalique: Louis Tiffany produjo Art Nouveau en plata, cristal y cerámica. A su vez en Inglaterra, donde las Artes y Oficios rehuían generalmente del de Art Nouveau francés por considerarlo un exceso se desarrolló un estilo mas austero y sencillo.

Henri Matisse

HENRI MATISSE

     Henri Matisse fue un pintor francés, nacido en 1869, que destacó y fue conocido sobre todo por el uso del color y su uso original y fluido del dibujo. Junto a otros pintores destacados, desarrolló una nueva pintura donde el color de la naturaleza, era interpretado según sus propias sensaciones individuales,predominando el color vibrante, el trazo contundente o la pincelada fragmentada a veces en manchas y otras en puntos y trazos de intenso movimiento. 

   

    

  Las principales características de su obra las podríamos resumir así: 

• Estuvo influenciado en la pintura por Vicent Van Gogh, Paul Gauguin, por las cerámicas persas,  el arte africano y las telas moriscas.
• El color no describe a la realidad, si no que expresa la subjetividad del pintor
• Toma los colores planos y las figuras contorneadas de Gauguin
• Se inspira en las producciones artísticas primitivas, huyendo del clasicismo para  buscar la esencia del arte como proceso generador similar al de la propia naturaleza.
• Su estilo está configurado por la línea, el color y la síntesis
• La línea la define en función del color
• Utiliza el color de forma arbitraria.
• Busca reducir forma y color a lo esencial, desde una idea conceptual de la realidad y la representación que pretende materializar, las sensaciones que aquella produce en el artista.
• Su rechazo de la función representativa, le lleva a renunciar a la perspectiva. Esto produce una sensación bidimensional en sus cuadros.
• Horror vacui (horror al vacío), con utilización de elementos decorativos. 

      Su temática es fundamentalmente de bodegones, paisajes y figuras. 

      Matisse, consideró la obra de arte como como un elemento estético. La realidad para él, solamente supone un puente para llegar a lo pictórico. 

      Hacia 1916, el autor comenzó un periodo en el que se percibe la influencia del cubismo, que se traduce en un concepto más geométrico de las formas y la simplificación aún mayor.

      En la década de los 40, el colorido de sus telas se tornó más atrevida y fue el antecedente de los gouaches que realizó a finales de esa década, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados. El recorte no dejaba de ser la culminación del mismo uso del color plano y aleatorio y la erradicación de la línea, por su carácter geométrico y artificial. 

Principales obras 

Técnica: Acuarelas

Técnica: Acuarelas

Hoy estrenaremos una sesión del blog en el que hablaré de las técnicas de dibujo que suele usar los artistas e ilustradores. Para comenzar esta entrada se hablará sobre acuarela.

¿Qué son las acuarelas?

Según la Wikipedia, las acuarelas es una técnica que se realiza a papel o cartulina con colores diluidos en el agua, ahí proviene el nombre Acuarela.

El primer uso conocido  en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio , quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. 

En Alemania, Alberto Durero  pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por  Durero. Entre los maestros británicos que usaron la acuarela puede citarse incluyendo a Van Dyck, Thomas Gainsborough, John Constable, Paul Sandby y Joseph Mallord William Turner, considerado por algunos autores precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. En la pintura española del siglo XX pueden citarse artistas como Julio Quesada Guilabert, Ceferino Olivé, Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada o Alberto Manrique.

En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada «Sumi-e». En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.

¿Qué materiales deben usarse para las acuarelas?

A la hora de escoger los materiales necesarios para usar las acuarelas, lo primero y principal que debes tener claro es el papel que vas a usar.  Depende de la cantidad de agua que utilices, para un resultado ideal, tenemos que evitar que:

• Que no se ondule
• Que no se corran
• Que se rompa el papel

Gramaje

El papel se clasifica según el número de gramos por metro cuadrado, va desde los 190 gramos y 800. Quiero decir, cuanto mayor sea el número, más resistente el papel a la pintura y al agua.


-Menos de 300 g/m2: El más económico y es ideal para  principiantes o para aquellos que dominan el grado de humedad de la pintura.Lo malo que este papel tiende a ondularse más fácilmente.
-300 g/m2: Gramaje ideal para la mayoría de las acuarelas, ni grueso ni fino. Es ideal para los principiantes.
-Más de 300 g/m2: Más pesado y más gordo. Conserva más la humedad y evita ondulaciones. La pintura se seca más despacio. Este papel sirve para los que necesitan más tiempo o trabajar en los detalles.

Grano del papel

A la hora de elegir el papel, cada uno tiene un grano de papel distinto. La elección depende según lo que querrás hacer y la manera con la que vas a tratar el papel. Quiero decir, cada artista elige el grano según sus necesidades y deseos. Hay 3 tipos de grano:

-Grano satinado: ofrece una superficie muy lisa, que se adapta perfectamente a los trazos finos y al tratamiento de los detalles.
-Grano fino: La más usada. Superficie ni demasiado lisa ni demasiado marcada, ligeramente más rugosa que el grano satinado. Facíl de usar y se adapta casi todas las situaciones.
-Grano grueso: Textura más marcada, tiende a atenuar los detalles, reclama cierto dominio. Poco adaptado a los temas ricos en detalles, apropiado para efectos de colores o relieves.


  De derecha a izquierda: Satinado a grueso



Marca de acuarelas


A la hora de usar las acuarelas, existe una variedad de marcas de arte que venden cajas de acuarelas.


-Si eres nuevo en esta técnica, como punto de vista, recomendaría que empezaras usando acuarelas de una tienda normal. ¿Por qué? Deberás aprender como se maneja las tonalidades usando agua, prácticando el coloreado y sombras.


-Si te ves que puedes ir más allá de una cajita de acuarelas que valen poco, es hora de elegir que marca usarás. ¿Cuál elegiriás? Aquí ya es tu decisión, cada uno escoje la marca del material según sus exigencias. Te dejo ejemplos de marcas de acuarelas:

  

Acuarelas Winsor and Newton Página oficial

Acuarelas Van Gogh Pagína oficial


Acuarelas Rembrant


¡Espero que os haya gustado esta entrada sobre esta técnica!


Post anterior: https://nosotrosaprendemosarte.blogspot.com/2019/03/la-historia-del-teatro.html

Berthe Morisot

Berthe Morisot

Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895), fue la primera mujer que se unió al movimiento impresionista.

 Nacida en el seno de una familia de la alta burguesía francesa, fue educada en el gusto por las artes y la música y supo combinar de manera ejemplar la faceta artística con su papel de mujer moderna y activa animadora cultural. Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX. A los 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos.

Morisot decidió ser una artista a pesar de su condición de gran dama, de mujer burguesa, urbana e interesada por la moda y la activa vida cultural de la época, no dedicándose de forma aficionada como otras damas de su época sino adoptando una postura muy radical que la vincularía al grupo de artistas impresionistas, la vanguardia del momento.

 Modelo y amiga de Manet, casada con su hermano Eugène y aliada de los pintores impresionistas -como Degas, Renoir, Monet o Pissarro. Morisot y Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales. Fue admirada por intelectuales de la talla de Mallarmé o Valéry. Morisot jugó un papel destacado y esencial en el desarrollo  del impresionismo francés. 

La técnica que desarrolla se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio hasta que evoluciona a un impresionismo más expresado en la pincelada, en concreto a partir de 1873, cuando el tratamiento más libre de las pinceladas rápidas y planas y la atmósfera más tratada con el color permitían reflejar una estética más de índole impresionista. Sus figuras, muy introspectivas y melancólicas, transmiten al mismo tiempo una alegría de vivir que produce satisfacción a quien las contempla, una pintura de gran delicadeza.

Tanto la delicadeza del paisaje como la maestría de sus retratos o la representación impresionista de jardines, escenas rurales e interiores domésticos, permiten conocer los aspectos más destacados de su obra pictórica. Con una pintura de trazos rápidos, que a veces adquieren la ligereza de la acuarela, Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad. Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista, Morisot pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado. Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de artistas femeninas por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos.

 Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos, desnudos femeninos y a la propia Berthe durante su etapa de formación, pasada como "copista" de los grandes maestros en el Louvre. Claude Monet pintaba los nenúfares de su jardín, a sus hijos, etc. Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar de esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos.

Walt Disney

 Walt Disney

Siempre hemos hablado de artistas como pintores, escultores, arquitectos  y diseñadores. Pero también existe artistas que se dedican a la animación, y esta entrada hablaré de uno de los animadores más importantes y que todos conocen: Walt Disney.

Walter Elias Disney (1901-1966), dibujante, productor, y director de dibujos animados nació en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901.

Desde pequeño se interesó por el dibujo. Tras abandonar la escuela a los 16 años, Walt estudió durante breves periodos, en escuelas de arte en su ciudad natal y en Kansas City. 

Walt decide dedicarse en exclusiva a los dibujos animados.

Establecido en Kansas se asocia con un compañero llamado Ub Iwers y funda la compañía Iwers-Disney. Tras no pocas dificultades, la empresa empieza a ser contratada para realizar animaciones para anuncios. En aquellos años, los dibujos animados todavía eran muy primitivos: sólo voluntariosas ilustraciones animadas en blanco y negro que reproducían las tiras cómicas de los periódicos. Walt Disney, que era un perfeccionista, ofrece una calidad mayor que la de sus competidores y su fama empieza a ser conocida por todo el país. Pero al poco tiempo se declara en bancarrota. Sin dinero y sin proyectos, decide trasladarse a California para probar fortuna.  

Funda el Disney Brothers Studio.. Durante esos años un productor le encarga la creación de un personaje animado. Disney inventa  a Oswald, un conejito afortunado, que obtiene gran éxito y le proporciona a la empresa cierta estabilidad económica. Llamado por los productores a Nueva York, Walt se encuentra que en La Gran Manzana le roban los derechos de su personaje. Descorazonado decide mantenerse independiente y crea una variación del personaje Oswald, en  Mickey Mouse cuyos inicios en el mundo de los dibujos animados fueron bastante complicado,  tenía que competir con personajes muy similares  que ya estaban consolidados. Pero sin desalentarse, logró el primer éxito del personaje con el corto Steamboat Willie de 1928. El acierto de Walt fue crear una historia divertidísima que, además, incorporaba elementos sonoros. 

Walt Disney vio enseguida la trascendencia de esta nueva tecnología que permitía la combinación de la imagen con el sonido, para crear dibujos modernos, con diálogos que despertasen el interés de los espectadores. En 1929 obtuvo gran éxito con cortos en los que Mickey Mouse era doblado por el propio Disney con voz de falsete. 

Los fondos musicales se convirtieron en algo fundamental dentro del cine sonoro y fue en ese momento cuando a Disney se le ocurre la idea de crear una serie de cortos de dibujos animados en los cuales la composición musical fuera lo más importante de la película. Más que explicar historias concretas, la primera intención de Disney fue que los cortos produjesen 1 un determinado estado de ánimo en el espectador, así nacen las Silly Symphonies (Sinfonías Tontas). Como los distribuidores no tenían mucho entusiasmo en la idea, se decidió que para promocionar la nueva serie se utilizaría la imagen de Mickey Mouse que aparecía en los carteles con la frase: "Mickey Mouse presenta una Silly Symphony de Walt Disney".

Los más importantes fueron:

1. The Skeleton Dance
2. Primavera
3. Las melodías de la mamá oca
4. El patito feo
5.  La araña y la mosca
6. Los tres cerditos (1933): tuvo un éxito increíble. La clásica canción “¿Quién teme al lobo feroz?” se convirtió en todo un símbolo.

Por esa misma época aparecen otros personajes como Donald, Goofy o Pluto. A partir de ahí, una nueva idea ronda en la cabeza del genio de Chicago: crear el primer cortometraje en color, Flores y Árboles(con este gana un oscar en 1932).

Tras el Oscar, a Walt se le ocurre la idea de producir el primer largometraje animado, Blancanieves y los Siete Enanitos. Para la producción de la película se contrata a más de 300 artistas que trabajan incansablemente durante tres años aguantando las manías y el perfeccionismo de su jefe. El filme se convierte en un éxito de taquilla descomunal y se alza como la película más taquillera de la historia. 

 Gracias al éxito, nace la idea de tres nuevos proyectos: Pinocho, Bambi y Fantasía. Cada uno de estos filmes comportaba una forma determinada de entender la animación: Pinocho necesitaba mucho detalle, Bambi requería una nueva forma de plantear el movimiento de los animales y Fantasía una animación coordinada con la música. 

En 1940 se estrena Pinocho, que supone un éxito de crítica pero no económico. Un año después llega a las carteleras Fantasía, una obra maestra poco comprendida en la época que supuso un auténtico descalabro económico.  Walt saldría  de esta situación tras el estreno de Dumbo (1941) y especialmente Bambi (1942), que supusieron un enorme éxito económico y acabó de consolidar artística y económicamente a la compañía.

Al acabar la guerra, Disney estaba ahogado por las deudas. En 1946 se estrena La Canción del Sur, filme que en su época fue considerado racista. Esta cinta alternaba dibujos animados con imagen real, pero el sistema no acababa de convencer al genio que quería poner en marcha otro proyecto exclusivamente de animación: La Cenicienta. Walt pretendía que esta película fuera un compendio de todos los logros obtenidos hasta entonces. Su éxito de taquilla es tan espectacular, que le proporciona a la empresa nuevos ingresos con los que planificar proyectos

Walt se da cuenta de que ha de alternar producciones animadas, más caras y costosas, con otros filmes en imagen real más sencillos y de presupuestos medios/bajos.

 Dentro del género de la animación, en los sucesivos años se estrenan 

1.  Alicia en el País de las Maravillas (1951)
2. Peter Pan (1953) 
3. La Dama y el Vagabundo (1955). 

Ese mismo año también marca un hito en la trayectoria de Walt Disney: la creación de Disneylandia, el primer parque temático del mundo.

çaquellos años Disney también entra en la televisión, tras firmar un contrato con ABC para un programa semanal. Eso no hizo más que aumentar la popularidad de Disney y convertirlo en un icono en todo el mundo. La empresa ya era por aquellos años una auténtica corporación que obtenía beneficios escandalosos y que vendía dibujos animados y películas en todos los países del mundo. En ese momento Walt se da cuenta de que él, por sí mismo, es una marca y decide explotar su propia imagen. 

A partir de ahí decide dejar de lado la productora y se dedica a generar dinero para la empresa. Sin su supervisión directa, la empresa desciende algo en sus índices de calidad. Películas como:

1.  La Bella Durmiente (1959)
2. 101 Dálmatas (1961)
3.  Merlín el Encantador (1963) 
4.  El Libro de la Selva (1967) 

Serían algunos de esos títulos destacables, pero sin la chispa y el ingenio de los primeros proyectos de la casa.
Durante esa época, Walt sólo se involucra directamente en el rodaje de Mary Poppins (1964), cinta que mezcla imagen real con dibujos animados y que supuso toda una revolución técnica en la época. La película recibió trece nominaciones a los Oscar. 

A finales de 1966 se le diagnosticó un cáncer de pulmón causado por su larga trayectoria como fumador. El 15 de diciembre de 1966, a la edad de 65 años, muere en el Hospital de Florida

Cambios importantes en la animación Disney

Sus producciones siempre han ido a la vanguardia en lo que se refiere a la tecnología de este género cinematográfico. A veces experimentando con técnicas por primera vez, otras veces lanzando a nivel masivo innovaciones creadas por otros, estudiar las películas de Disney es estudiar el progreso tecnológico del cine de animación. Veamos algunos de sus hitos: 

1. Inteacción de actores reales con dibujos animados: En la serie de cortos conocidos como Alice Comedies, una niña interactuaba con personajes animados de un mundo de fantasía y con su gato, llamado Julius.
2. Sincronización de imagen y sonido en animación: En 1928 Disney estrenó el revolucionario Steamboat Willie, primera película de animación con sonido (y protagonizada por Mickey Mouse) que sincronizaba efectos de sonido con la música.
3. Technicolor: En 1932, lanzó Flowers and Trees, primer corto animado en Technicolor, la técnica de coloreado de celuloide que se aplicó sobre todo en musicales y comedias del cine de Hollywood clásico y que otorgaba unos colores vibrantes y distintivos a las películas. Flowers and Trees ganó el primer Óscar de la historia al Mejor Corto de Animación, y desde entonces, toda la serie Silly Simphonies se rodaría en Technicolor.
4. Primer largometraje animado: Blancanieves y los Siete Enanitos, 1939, un éxito indiscutible a todos los niveles y, sobre todo, una producción que dejaba bien claro algo que hoy nos parece obvio, pero que entonces no lo era tanto: un largometraje de dibujos animados tiene sentido, y sus recursos expresivos son suficientes y muy capaces de contar historias tan emocionantes e imborrables como los largometrajes de imagen real. 
5. Sonido estereofónico: En Fantasía en 1940 y por primera vez en una película comercial, Disney usó sonido estereofónico multicanal, que llamó Fantasound y que se adelantó un par de décadas a la fiebre del sonido estéreo y el surround. La película fue un fracaso de taquilla, pero tecnológicamente fue todo un hito. 
6. Mezcla de animación y personajes reales:El primer largometraje de Disney en usar a actores reales, sino el primero en hacerlos compartir escena con dibujos animados. Dentro del estudio se desarrolló toda una nueva generación de efectos especiales y trucajes, que permitió logros tan asombrosos en la mezcla de animación e imagen real como los de Los Tres Caballeros en 1945 o Mary Poppins en 1964. 
7. Innovación en el uso de xerografía: En 101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso para transferir dibujos directamente a celuloide, eliminando el proceso de entintar. Esta tecnología es la base para lo que hoy conocemos como fotocopiadoras e impresoras, donde "los dibujos se fotocopiaban directamente sobre el acetato mediante un proceso electromagnético.  
8. Animación por ordenador: Utilizando fondos digitales dejando de lado el tradicional dibujo
9. CAPS: Computarizando todos los procesos y dando cada vez un mayor realismo las imágenes, imágenes generadas por computadora. 
10. Disney Digital 3D: Realizando una producción totalmente digitalizada, hasta llegar sofwares más sofisticados utilizados hoy en día donde se replican mayores características humanas y detalles más realistas. Para hacer esto posible se crearon softwares propios.