Walt Disney

 Walt Disney

Siempre hemos hablado de artistas como pintores, escultores, arquitectos  y diseñadores. Pero también existe artistas que se dedican a la animación, y esta entrada hablaré de uno de los animadores más importantes y que todos conocen: Walt Disney.

Walter Elias Disney (1901-1966), dibujante, productor, y director de dibujos animados nació en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901.

Desde pequeño se interesó por el dibujo. Tras abandonar la escuela a los 16 años, Walt estudió durante breves periodos, en escuelas de arte en su ciudad natal y en Kansas City. 

Walt decide dedicarse en exclusiva a los dibujos animados.

Establecido en Kansas se asocia con un compañero llamado Ub Iwers y funda la compañía Iwers-Disney. Tras no pocas dificultades, la empresa empieza a ser contratada para realizar animaciones para anuncios. En aquellos años, los dibujos animados todavía eran muy primitivos: sólo voluntariosas ilustraciones animadas en blanco y negro que reproducían las tiras cómicas de los periódicos. Walt Disney, que era un perfeccionista, ofrece una calidad mayor que la de sus competidores y su fama empieza a ser conocida por todo el país. Pero al poco tiempo se declara en bancarrota. Sin dinero y sin proyectos, decide trasladarse a California para probar fortuna.  

Funda el Disney Brothers Studio.. Durante esos años un productor le encarga la creación de un personaje animado. Disney inventa  a Oswald, un conejito afortunado, que obtiene gran éxito y le proporciona a la empresa cierta estabilidad económica. Llamado por los productores a Nueva York, Walt se encuentra que en La Gran Manzana le roban los derechos de su personaje. Descorazonado decide mantenerse independiente y crea una variación del personaje Oswald, en  Mickey Mouse cuyos inicios en el mundo de los dibujos animados fueron bastante complicado,  tenía que competir con personajes muy similares  que ya estaban consolidados. Pero sin desalentarse, logró el primer éxito del personaje con el corto Steamboat Willie de 1928. El acierto de Walt fue crear una historia divertidísima que, además, incorporaba elementos sonoros. 

Walt Disney vio enseguida la trascendencia de esta nueva tecnología que permitía la combinación de la imagen con el sonido, para crear dibujos modernos, con diálogos que despertasen el interés de los espectadores. En 1929 obtuvo gran éxito con cortos en los que Mickey Mouse era doblado por el propio Disney con voz de falsete. 

Los fondos musicales se convirtieron en algo fundamental dentro del cine sonoro y fue en ese momento cuando a Disney se le ocurre la idea de crear una serie de cortos de dibujos animados en los cuales la composición musical fuera lo más importante de la película. Más que explicar historias concretas, la primera intención de Disney fue que los cortos produjesen 1 un determinado estado de ánimo en el espectador, así nacen las Silly Symphonies (Sinfonías Tontas). Como los distribuidores no tenían mucho entusiasmo en la idea, se decidió que para promocionar la nueva serie se utilizaría la imagen de Mickey Mouse que aparecía en los carteles con la frase: "Mickey Mouse presenta una Silly Symphony de Walt Disney".

Los más importantes fueron:

1. The Skeleton Dance
2. Primavera
3. Las melodías de la mamá oca
4. El patito feo
5.  La araña y la mosca
6. Los tres cerditos (1933): tuvo un éxito increíble. La clásica canción “¿Quién teme al lobo feroz?” se convirtió en todo un símbolo.

Por esa misma época aparecen otros personajes como Donald, Goofy o Pluto. A partir de ahí, una nueva idea ronda en la cabeza del genio de Chicago: crear el primer cortometraje en color, Flores y Árboles(con este gana un oscar en 1932).

Tras el Oscar, a Walt se le ocurre la idea de producir el primer largometraje animado, Blancanieves y los Siete Enanitos. Para la producción de la película se contrata a más de 300 artistas que trabajan incansablemente durante tres años aguantando las manías y el perfeccionismo de su jefe. El filme se convierte en un éxito de taquilla descomunal y se alza como la película más taquillera de la historia. 

 Gracias al éxito, nace la idea de tres nuevos proyectos: Pinocho, Bambi y Fantasía. Cada uno de estos filmes comportaba una forma determinada de entender la animación: Pinocho necesitaba mucho detalle, Bambi requería una nueva forma de plantear el movimiento de los animales y Fantasía una animación coordinada con la música. 

En 1940 se estrena Pinocho, que supone un éxito de crítica pero no económico. Un año después llega a las carteleras Fantasía, una obra maestra poco comprendida en la época que supuso un auténtico descalabro económico.  Walt saldría  de esta situación tras el estreno de Dumbo (1941) y especialmente Bambi (1942), que supusieron un enorme éxito económico y acabó de consolidar artística y económicamente a la compañía.

Al acabar la guerra, Disney estaba ahogado por las deudas. En 1946 se estrena La Canción del Sur, filme que en su época fue considerado racista. Esta cinta alternaba dibujos animados con imagen real, pero el sistema no acababa de convencer al genio que quería poner en marcha otro proyecto exclusivamente de animación: La Cenicienta. Walt pretendía que esta película fuera un compendio de todos los logros obtenidos hasta entonces. Su éxito de taquilla es tan espectacular, que le proporciona a la empresa nuevos ingresos con los que planificar proyectos

Walt se da cuenta de que ha de alternar producciones animadas, más caras y costosas, con otros filmes en imagen real más sencillos y de presupuestos medios/bajos.

 Dentro del género de la animación, en los sucesivos años se estrenan 

1.  Alicia en el País de las Maravillas (1951)
2. Peter Pan (1953) 
3. La Dama y el Vagabundo (1955). 

Ese mismo año también marca un hito en la trayectoria de Walt Disney: la creación de Disneylandia, el primer parque temático del mundo.

çaquellos años Disney también entra en la televisión, tras firmar un contrato con ABC para un programa semanal. Eso no hizo más que aumentar la popularidad de Disney y convertirlo en un icono en todo el mundo. La empresa ya era por aquellos años una auténtica corporación que obtenía beneficios escandalosos y que vendía dibujos animados y películas en todos los países del mundo. En ese momento Walt se da cuenta de que él, por sí mismo, es una marca y decide explotar su propia imagen. 

A partir de ahí decide dejar de lado la productora y se dedica a generar dinero para la empresa. Sin su supervisión directa, la empresa desciende algo en sus índices de calidad. Películas como:

1.  La Bella Durmiente (1959)
2. 101 Dálmatas (1961)
3.  Merlín el Encantador (1963) 
4.  El Libro de la Selva (1967) 

Serían algunos de esos títulos destacables, pero sin la chispa y el ingenio de los primeros proyectos de la casa.
Durante esa época, Walt sólo se involucra directamente en el rodaje de Mary Poppins (1964), cinta que mezcla imagen real con dibujos animados y que supuso toda una revolución técnica en la época. La película recibió trece nominaciones a los Oscar. 

A finales de 1966 se le diagnosticó un cáncer de pulmón causado por su larga trayectoria como fumador. El 15 de diciembre de 1966, a la edad de 65 años, muere en el Hospital de Florida

Cambios importantes en la animación Disney

Sus producciones siempre han ido a la vanguardia en lo que se refiere a la tecnología de este género cinematográfico. A veces experimentando con técnicas por primera vez, otras veces lanzando a nivel masivo innovaciones creadas por otros, estudiar las películas de Disney es estudiar el progreso tecnológico del cine de animación. Veamos algunos de sus hitos: 

1. Inteacción de actores reales con dibujos animados: En la serie de cortos conocidos como Alice Comedies, una niña interactuaba con personajes animados de un mundo de fantasía y con su gato, llamado Julius.
2. Sincronización de imagen y sonido en animación: En 1928 Disney estrenó el revolucionario Steamboat Willie, primera película de animación con sonido (y protagonizada por Mickey Mouse) que sincronizaba efectos de sonido con la música.
3. Technicolor: En 1932, lanzó Flowers and Trees, primer corto animado en Technicolor, la técnica de coloreado de celuloide que se aplicó sobre todo en musicales y comedias del cine de Hollywood clásico y que otorgaba unos colores vibrantes y distintivos a las películas. Flowers and Trees ganó el primer Óscar de la historia al Mejor Corto de Animación, y desde entonces, toda la serie Silly Simphonies se rodaría en Technicolor.
4. Primer largometraje animado: Blancanieves y los Siete Enanitos, 1939, un éxito indiscutible a todos los niveles y, sobre todo, una producción que dejaba bien claro algo que hoy nos parece obvio, pero que entonces no lo era tanto: un largometraje de dibujos animados tiene sentido, y sus recursos expresivos son suficientes y muy capaces de contar historias tan emocionantes e imborrables como los largometrajes de imagen real. 
5. Sonido estereofónico: En Fantasía en 1940 y por primera vez en una película comercial, Disney usó sonido estereofónico multicanal, que llamó Fantasound y que se adelantó un par de décadas a la fiebre del sonido estéreo y el surround. La película fue un fracaso de taquilla, pero tecnológicamente fue todo un hito. 
6. Mezcla de animación y personajes reales:El primer largometraje de Disney en usar a actores reales, sino el primero en hacerlos compartir escena con dibujos animados. Dentro del estudio se desarrolló toda una nueva generación de efectos especiales y trucajes, que permitió logros tan asombrosos en la mezcla de animación e imagen real como los de Los Tres Caballeros en 1945 o Mary Poppins en 1964. 
7. Innovación en el uso de xerografía: En 101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso para transferir dibujos directamente a celuloide, eliminando el proceso de entintar. Esta tecnología es la base para lo que hoy conocemos como fotocopiadoras e impresoras, donde "los dibujos se fotocopiaban directamente sobre el acetato mediante un proceso electromagnético.  
8. Animación por ordenador: Utilizando fondos digitales dejando de lado el tradicional dibujo
9. CAPS: Computarizando todos los procesos y dando cada vez un mayor realismo las imágenes, imágenes generadas por computadora. 
10. Disney Digital 3D: Realizando una producción totalmente digitalizada, hasta llegar sofwares más sofisticados utilizados hoy en día donde se replican mayores características humanas y detalles más realistas. Para hacer esto posible se crearon softwares propios.

Auguste Rodin

Auguste Rodin

   

  Auguste Rodín, fue un escultor francés contemporáneo de la corriente impresionista.Se educó en la Escuela de Artes Decorativas de París.Gran parte de su juventud la dedicó a acumular conocimientos de anatomía, que en más de una ocasión le valieron la envidia y el descontento de escultores reconocidos. 

    

    Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultora neoclásica, no sólo fue el encargado de poner fin a más de dos siglos de búsqueda de la mimesis en las artes tridimensionales, sino que además dio un nuevo rumbo a la concepción del monumento y la escultura pública, por ello ha sido denominado como "el primer moderno".

     

     Muy conocido fue su escándalo en torno a la escultura La Edad de Bronce (1875),

que debido a su perfección se llegó a decir que los moldes habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no hecha a mano, no obstante logró librarse de esa acusación y se colocó entre los artistas más importantes de París.

     

     Para Rodín, el artista no debía ser esclavo del modelo, sino que debía ser capaz de modificarlo para crear una imagen totalmente nueva, por ello sus imágenes carecen de lógica en cuanto a las proporciones, porque según el estas tienen que ser dadas por el sentimiento que se quiere plasmar. Él no estudió anatomía para ser dominado por ella, sino, para usarla como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos. 

     

  

   Su técnica

     

    El proceso que utiliza para sus obras el el vaciado y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, el material que el utilizaba era el yeso. Vaciaba el yeso, un material usado para los borradores y despreciado por los artistas, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol, reconocida como la única oficial. Su mensaje era claro : "La imagen es superior al material con el que está construido"

    Características de sus obras

    Las principales características de su obra son : 

• Rompe con todos los cánones académicos
• Técnica impresionista, sensación de piezas inacabadas y contornos difusos
• Gran protagonismo de la masa y el volumen
• Talla superficies muy contrastadas: rugosas y pulidas.
• Utiliza líneas abiertas
• Ejerce una fuerte expresividad que se observa principalmente en : la multiplicidad de los puntos de vista ; fuertes contrastes lumínicos, cambios bruscos de luces y sombras; transmite a través de su escultura pasiones y sentimientos. 
• Recibe influencia de Miguel Ángel y de otros artistas barrocos.
• Influirá en los esculutores modernistas y en las vanguardias. 

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp

 Marcel Duchamp(1887-1968), fue un artista visual francés, nacionalizado norteamericano. Se le considera uno de los teóricos del arte y provocador de una de las vanguardias más importantes del siglo XX. El fué uno de los representantes del Dadaismo, un arte que intenta provocar y dar una crítica de lo que es una obra de arte con el uso de la imporvisacíon.

Fue un artista peculiar que se influenció con diferentes movimientos artísticos como el impresionismo, fauvismo, romnticismo, simbolismo, cubismo y futurismo pero que realmente no perteneció a ningúno.Tomaba elementos de varios de éstos para inspirar sus obras, aunque su modus operandi estaba basado en una continua búsqueda y evolución.

Durante la guerra se trasladará a Estados Unidos y dará un gran impulso a este foco artístico que en las segundas vanguardias será el principal, derrocando a París. La fama para Duchamp llegó con Desnudo bajando la escalera, una pieza en donde coqueteaba con el futurismo, ya que estaba interesado en hacer un estudio del movimiento a través de la fotografía y el cine traducido al lenguaje plástico.

En la escultura, fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y ready-made.

En 1913 realiza el que se considera su primer «ready-made», La rueda de bicicleta —un taburete  con una rueda de bicicleta invertida, apoyada sobre su base de metal—, su intención era que  el artista con el sólo hecho de escoger un objeto cotidiano lo estaría convirtiendo en arte, creando así el concepto  «estéticamente anestesiado»,  concepto sería acuñado por el mismo Duchamp en 1915, y lo definine como el proceso a través del cual se titulaban «artísticamente» objetos producidos industrialmente elevándolos de esta manera a la categoría de «obra de arte», como prueba de que el arte era, sobre todo, una actitud mental que residía en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se apreciaban las cualidades estéticas y no las utilitarias que normalmente sugerían.

En 1917 intentó exponer un urinario en una muestra organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York, lo tituló La Fuente (Fountain) y lo firmó como «R. Mutt». El ready-made introducía una fuerte crítica a la institucionalidad y el fetichismo de las obras de arte, provocando enormes tensiones incluso dentro del mismo círculo surrealista.

Posteriormente comienza a trabajar en otra fundamental pintura para la historia del arte, Gran vidrio (la novia desnudada por sus solteros) pero lo abandonó en 1923, considerándola inacabada. En ella podemos ver cómo la idea del azar también constituye un elemento clave para él. Dejó que el azar construyera al Gran Vidrio a la par que trataba de eliminar todo rastro emocional en su composición, al crear trazos calculados, utilizar materiales poco plásticos y hacer composiciones incluso del polvo acumulado sobre la obra.
El propio artista calificó la obra como inacabada aunque dio por terminada su ejecución ya que en un día al transladar la obra se rompió una parte de ella. Así El Gran Vidrio se nos presenta como un gran enigma visual, en la que su significación queda abierta a la imaginación del propio espectador aun contando con un manual de instrucciones para observarla, escrito por el propio autor.

Nos dice que la novia de la parte superior se desnuda para excitar a los solteros de la parte inferior, sin que ninguno de ellos, ni novia ni solteros, puedan lograr nunca el objetivo de ver.  El gran vidrio, 1943 consumada la pasión, ya que están separados por una barrera infranqueable. Los solteros están reducidos a la condición de meros uniformes y se comportan a la manera de marionetas cuyos hilos pudiera mover la novia. Esa imposibilidad que comprendemos nos traslada una imagen triste, de soledad profunda tanto de unos como de otros, condenados al aislamiento, la soledad y la insatisfacción del deseo que les abruma. Frente a la idea del arte como belleza, Duchamp propone el arte como algo lúdico. Parte de la crítica más conservadora cree que  contribuyó a destruir la tradición artística: generó la tendencia a sobrepasar el límite basado en la negatividad ante la tradición. Las segundas vanguardias son deudoras de estas ideas.

A veces, Duchamp asumía una burlesca identidad femenina, con la que se permitía juegos y firmar obras con el nombre de Rrose Sélavy. Hacia 1935 Duchamp realizó experimentos cinéticos que culminaron en seis Rotorrelieves, los cuales expuso, no en una galería, sino en el Salón de Inventores de París, ya que su intención en esa época era dar la sensación de que ya no hacía más arte. 

En 1942 se establece definitivamente y crea el  llamado Etant donnés: 1º la caída del agua. 2º el gas de alumbrado. Fue su última gran obra, que lo mantuvo ocupado durante las dos décadas siguientes.





Marcel Duchamp fue  uno de los artistas más influyentes en la Historia del Arte Moderno. Figura crucial para el desarrollo del Surrealismo, Dadá o el Pop Art, su énfasis en la intelectualidad de cada obra influyó también en muchos y diferentes artistas; sus trabajos expandieron los límites de lo que consideramos Arte, al introducir objetos de la vida cotidiana y transformarlos en objeto artístico por la simple decisión del creador, cambiando así el curso definitivo del arte moderno.

Criticó corrientes como el pop art o el nuevo realismo, porque aprobaban la estética que él había intentado destruir. Su legado más grande sería el habernos hecho entender que no basta con que una experiencia artística nos estimule visualmente, pues ésta debe también estimular, provocar nuestro pensamiento. Entender a Duchamp no es tarea fácil, pues era un artista que jamás se definió a sí mismo, que nunca siguió una línea en particular y que por lo tanto rompió con todos los estereotipos y convenciones artísticas de su tiempo. Duchamp buscaba innovar en cada una de sus piezas y siempre se cuestionó el rol del artista, su relación con la máquina, el azar y sobre todo, el humor negro del cual presumía a través de sus juegos de palabras

Camille Pissarro

Camille Pissarro

     Camille Pissarro, fue un gran impresionista, aunque quizá su labor no fue reconocida como debiese. La causa de ello fue que su talento fue eclipsado por su compañero Claude Monet. No obstante se le conoció como el "Decano" o "Patriarca" del impresionismo por ser el más mayor del grupo y el "maestro de pintores".

        Entre sus muchos discípulos caben destacar las figuras de Cézanne que aprendió de él sus técnicas impresionistas y Gauguin,el cual heredó de él el apego por la vida rústica. 

      Es por eso, precisamente por lo que es conocido el pintor, por su interés por la vida rústica. Cuando todo lo que primaba era el refinamiento parisiense y los escenarios de ocio de la burguesía, Pissarro se centraba en pintar paisajes rústicos, en vez de pintar praderas, pintaba campos arados, en vez de jardines floridos, pintaba huertos, etc.

      Otra de las características principales de sus cuadros, es la de representar caminos, en sus distintas formas: rectos, curvos que rodean un huerto, largos, cortos, una carretera e incluso a veces el curso de un río, que viene a representar un camino.

Incluso cuando cambia de paisaje y se centra en paisajes urbanos, su atención estará en las grandes vías, como las vistas del Boulevard  Montmartre,  o dela Avenue de l'Ópera.

     Así mismo, al igual que ocurriese con los caminos, las industrias están presentes desde muy temprano en sus obras.

     Después de muchas décadas entregado a la pintura en el paisaje urbano, una dolencia ocular le obliga a cambiar, puesto que ya no puede seguir pintando al aire libre. Es a partir de ese momento cuando Pissarro, empieza a explorar el mundo del paisaje urbano: París, Ruan, Dieppe y el Havre. 

Su vasto trabajo sobre ellas está organizado, al igual que el de Monet, por series, como las de la

estación Saint-Lazare y su entorno, el Boulevard  Montmartre, la Avenue de l’Opéra y aledaños, el  jardín de las Tullerías, el Pont Neuf y el Louvre.

     A final del siglo se instala en Ruan y allí se dedica a pintar sus puentes y las industrias de la ciudad. Sus últimas series estuvieron dedicadas al puerto de El Havre